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La Pasqua nell’arte italiana

Easter in Italian Art

(English coming soon)

L’arte religiosa nei musei italiani rappresenta un patrimonio inestimabile che riflette la profonda spiritualità e la storia culturale del Paese. Opere di maestri come Michelangelo, Caravaggio e Giotto adornano le gallerie, testimoniando secoli di devozione e innovazione artistica. Le sculture, i dipinti e gli affreschi raccontano storie bibliche, santi e tradizioni locali, immersi in un contesto di bellezza e contemplazione. I musei, come gli Uffizi a Firenze o i Musei Vaticani a Roma, custodiscono queste opere con cura, permettendo ai visitatori di esplorare il legame tra arte e fede, unendo il sacro alla contemplazione estetica.

L’arte italiana è ricca di opere legate ai temi della Pasqua, che riflettono i momenti cruciali della narrazione cristiana. Queste dodici famose opere d’arte italiane legate alla Pasqua evidenziano il significato teologico e artistico della Pasqua nel contesto del Rinascimento e del Barocco italiano, offrendo una profonda riflessione sui temi della resurrezione, della salvezza e della speranza.

La Resurrezione di Giotto – La Cappella degli Scrovegni, Padova (ca. 1303)
raffigurante Cristo risorto, è parte integrante della storia della Pasqua.
La Resurrezione di Giotto, affrescata nella Cappella degli Scrovegni a Padova, è un’opera straordinaria che testimonia la maestria dell’artista. Situata nella parte alta dell’abside, rappresenta Cristo che emerge trionfante dal sepolcro, il suo corpo luminoso e avvolto da un’aura divina. Attorno a lui, guardie e soldati mostrano sorpresa e sgomento. Giotto utilizza una composizione dinamica e colori vibranti per trasmettere un forte senso di movimento e vita. La scena è ricca di emozione e simboleggia la vittoria sulla morte, rendendo visibile l’umanità di Cristo e la speranza della resurrezione per l’umanità intera.

L’orazione nell’orto di Tintoretto – La Scuola Grande di San Rocco, Venezia, (ca. 1500)
E’ un’opera monumentale che rappresenta la scena dell’agonia di Gesù nel Getsemani. La composizione è caratterizzata da forte contrasto di luci e ombre, creando un’atmosfera drammatica e intensa. Gesù, al centro dell’opera, è ritratto in un momento di profonda meditazione e tristezza, mentre gli apostoli sono ritratti in posizioni diverse, alcuni in preghiera, altri addormentati. La dinamicità delle figure e l’uso audace della prospettiva conferiscono movimento e profondità all’intera scena. La tavolozza ricca e i dettagli accurati riflettono la maestria del Tintoretto nel catturare l’emozione e la spiritualità del momento.

L’Ultima cena di Leonardo da Vinci – Santa Maria delle Grazie, Refettorio, Milano (c. 1495-1498)
Sebbene incentrata principalmente sull’Ultima Cena (l’ultimo pasto di Gesù con i suoi discepoli), quest’opera prepara il terreno per gli eventi del Venerdì Santo e della Pasqua, mostrando l’attesa della crocifissione e della resurrezione.
L’opera rappresenta il momento in cui Gesù annuncia il tradimento di Giuda, catturando le reazioni diverse dei discepoli. L’uso della prospettiva e la composizione dinamica creano profondità e intensità emotiva. I volti esprimono incredulità, rendendo questa scena una delle più celebri e influenti della storia dell’arte.

Cristo (deriso) dopo la cattura di Beato Angelico – Covento di San Marco, Firenze (ca. 1500)
E’ un’opera che cattura l’intensità del momento in cui Gesù viene arrestato. L’immagine dello sputo, simbolo di disprezzo, sottolinea la brutalità della sofferenza che Cristo deve affrontare. La scena mostra Gesù legato e circondato da due figure che esprimono smarrimento e pietà. La delicatezza e la luce della scena, tipiche dello stile di Beato Angelico, offrono un contrasto stridente con il tema della violenza.

Crocefissione di Angelo Italia – La Cappella del Crocefisso, Monreale, (1680)
E’ un’opera d’arte straordinaria che riflette la maestria dell’artista e la spiritualità dell’epoca. La composizione rappresenta il momento culminante della Passione di Cristo, con il protagonista crocifisso tra i ladroni. La scena è ricca di dettagli espressivi, mostrando un forte contrasto tra la sofferenza di Gesù e la drammaticità del contesto. I colori vividi e l’uso sapiente della luce conferiscono profondità all’opera, rendendo palpabile il sentimento di sacrificio. La cappella, con i suoi affreschi e mosaici, rappresenta un importante esempio di arte sacra normanna.

La Crocefissione di Andrea Mantegna – Museo del Louvre, Parigi (c. 1350-1406)
La Crocefissione di Andrea Mantegna è un’opera straordinaria che trasmette un intenso senso di drammaticità e sofferenza attraverso la sua composizione verticale e l’uso audace della prospettiva. Il Cristo crocifisso è al centro, rappresentato con un realismo crudo, mentre la sua figura è accentuata da ombre profonde e colori terrosi. I personaggi ai suoi piedi, tra cui la Vergine Maria e San Giovanni, esprimono angoscia e lutto. Mantegna utilizza dettagli anatomici precisi e una forte definizione spaziale, creando una scena che invita lo spettatore a riflettere sulla sofferenza e sulla redenzione.

Compianto sul Cristo Morto di Niccolò dell’Arca -Chiesa di Santa Maria della Vita, Bologna (ca. 1477, rinascimento)
E’ gruppo scultoreo con sette figure a grandezza naturale in terracotta con tracce di policromia. L’opera rappresenta la drammatica scena della deposizione di Cristo, con una composizione intensa e marcata da emozione. Le figure, altamente espressive, mostrano il dolore e la sofferenza, mentre il corpo di Cristo, con dettagli anatomici raffinati, appare pesante e cadente. Il gruppo scultoreo, con una forte verticalità, crea un contrasto tra il sacro e l’umano, evidenziando la tragedia della morte. L’uso del colore e della luce rende la scena ancora più coinvolgente.

Cristo Morto di Andrea Mantegna – Pinacoteca di Brera, Milano (c. 1480)
E’ un capolavoro dell’arte rinascimentale. Il dipinto ritrae il corpo di Cristo disteso su una lastra di pietra, con un’espressiva resa anatomica e un forte senso del realismo. La composizione, caratterizzata da un’angolazione innovativa, invita lo spettatore a contemplare la vulnerabilità e il sacrificio del Cristo. L’opera è celeberrima per il vertiginoso scorcio prospettico della figura del Cristo disteso, che ha la particolarità di “seguire” lo spettatore che ne fissi i piedi scorrendo davanti al quadro stesso.
Elementi drammatici, come le mani e i piedi forati, accentuano il dolore, mentre il fondo scuro mette in risalto la figura centrale. Mantegna esplora così temi di morte e redenzione.

La Pietà di Michelangelo – Basilica di San Pietro in Vaticano (ca. 1499)
E’ una delle opere più celebri del Rinascimentoun, capolavoro di straordinaria espressione emotiva. La scultura in marmo rappresenta la Vergine Maria che tiene in grembo il corpo di Gesù morto, esprimendo un profondo senso di tristezza e pietà. Michelangelo scolpì la figura con una straordinaria precisione anatomica e un’armonia delle proporzioni, creando un effetto di serenità e bellezza. La drammaticità dell’opera è accentuata dai dettagli delicati e dall’uso della quarzite, che conferisce una morbidezza unica.

Il Cristo Velato di Giuseppe San Martino – Cappella San Severo, Napoli (1752)
Questa straordinaria opera d’arte rappresenta il corpo di Cristo deposto, avvolto in un velo di marmo trasparente, che sembra sorgere alla vita. La maestria tecnica di San Martino si manifesta nella straordinaria resa dei dettagli: il velo appare leggero e traslucido, mentre il corpo di Cristo esprime serenità nella morte. L’opera è un simbolo di pietà e fede, e la sua bellezza e realismo suscitano emozioni profonde in chi la osserva, rendendola un capolavoro del barocco napoletano.

Resurrezione di Piero della Francesca, Borgo San Sepolcro, Arezzo (c. 1465)
L’opera rappresenta Cristo che, risorto dai morti, emerge in un potente gesto di vittoria, circondato da un delicato aura di luce. Il corpo di Cristo è colto in una naturalezza monumentale, con un espressione serena e regale. Sullo sfondo, il paesaggio si estende in un armonioso equilibrio di colori, mentre i soldati addormentati ai suoi piedi simboleggiano l’ignavia umana di fronte al divino. La composizione rigorosa e l’uso innovativo della prospettiva evidenziano la maestria dell’artista, fondendo spiritualità e bellezza.

Il Trionfo del Nome di Gesù di Giovanni Battista Gaulli (Il Baciccio) – Chiesa del Gesù, Roma (c. 1672)
Affresco sul soffitto che si collega alla natura celebrativa della Pasqua con una gloriosa celebrazione della divinità di Gesù, attraerso una composizione dinamica e teatrale. Al centro si staglia il monogramma di Gesù, circondato da angeli, santi e figure celestiali che si librano nell’aria, immersi in una luce divinamente radiosa. I colori vibranti e il senso di movimento esprimono la maestà e la potenza del nome di Gesù, riflettendo il barocco romano e la spiritualità dell’epoca.

Alcune di queste opere d’arte sono spiegate con approfondimenti delle tecniche artistiche nel video seguente: https://youtu.be/8cnr_VEjF84?si=dOz9Xb4ZqYyWPxQD

English version

Religious art in Italian museums represents an invaluable heritage that reflects the country’s profound spirituality and cultural history. Works by masters such as Michelangelo, Caravaggio and Giotto adorn the galleries, testifying to centuries of devotion and artistic innovation. Sculptures, paintings and frescoes tell biblical stories, saints and local traditions, immersed in a context of beauty and contemplation. Museums, such as the Uffizi in Florence or the Vatican Museums in Rome, preserve these works with care, allowing visitors to explore the connection between art and faith, uniting the sacred with aesthetic contemplation.

Italian art is rich in works related to the themes of Easter, which reflect the crucial moments of the Christian narrative. These twelve famous Italian works of art related to Easter highlight the theological and artistic meaning of Easter in the context of the Italian Renaissance and Baroque, offering a profound reflection on the themes of resurrection, salvation and hope.

Resurrection, Giotto – Scrovegni Chapel, Padua (ca. 1303)
depicting the resurrected Christ, is an integral part of the Easter story.
Giotto’s Resurrection, frescoed in the Scrovegni Chapel in Padua, is an extraordinary work that testifies to the artist’s mastery. Located in the upper part of the apse, it depicts Christ emerging triumphant from the tomb, his body luminous and enveloped in a divine aura. Around him, guards and soldiers show surprise and dismay. Giotto uses a dynamic composition and vibrant colors to convey a strong sense of movement and life. The scene is full of emotion and symbolizes the victory over death, making visible the humanity of Christ and the hope of resurrection for all humanity.

The Agony in the Garden, Tintoretto – Scuola Grande di San Rocco, Venice, (ca. 1500)
It is a monumental work that represents the scene of Jesus’ agony in Gethsemane. The composition is characterized by strong contrasts of light and shadow, creating a dramatic and intense atmosphere. Jesus, at the center of the work, is portrayed in a moment of deep meditation and sadness, while the apostles are portrayed in different positions, some in prayer, others asleep. The dynamism of the figures and the bold use of perspective give movement and depth to the entire scene. The rich palette and accurate details reflect Tintoretto’s mastery in capturing the emotion and spirituality of the moment.

The Last Supper, Leonardo da Vinci – Santa Maria delle Grazie, Refectory, Milan (c. 1495-1498)
Although primarily focused on the Last Supper (Jesus’ final meal with his disciples), this work sets the stage for the events of Good Friday and Easter, showing the anticipation of the crucifixion and resurrection.
The work depicts the moment when Jesus announces Judas’ betrayal, capturing the disciples’ varying reactions. The use of perspective and dynamic composition create depth and emotional intensity. The faces express disbelief, making this scene one of the most famous and influential in the history of art.

Christ (Mocked) After the Capture, Beato Angelico – Convent of San Marco, Florence (ca. 1500)
This work captures the intensity of the moment when Jesus is arrested. The image of spitting, a symbol of contempt, underlines the brutality of the suffering that Christ must face. The scene shows Jesus tied up and surrounded by two figures expressing bewilderment and pity. The delicacy and light of the scene, typical of Beato Angelico’s style, offer a stark contrast to the theme of violence.

Crucifixion, Angelo Italia – The Chapel of the Crucifix, Monreale, (1680)
It is an extraordinary work of art that reflects the artist’s mastery and the spirituality of the time. The composition represents the culminating moment of the Passion of Christ, with the protagonist crucified among the thieves. The scene is rich in expressive details, showing a strong contrast between the suffering of Jesus and the drama of the context. The vivid colors and the skillful use of light give depth to the work, making the feeling of sacrifice palpable. The chapel, with its frescoes and mosaics, represents an important example of Norman sacred art.

The Crucifixion, Andrea Mantegna – Louvre Museum, Paris (c. 1350-1406)
The Crucifixion by Andrea Mantegna is a stunning work that conveys an intense sense of drama and suffering through its vertical composition and bold use of perspective. The crucified Christ is at the center, depicted with stark realism, his figure accentuated by deep shadows and earthy colors. The figures at his feet, including the Virgin Mary and Saint John, express anguish and mourning. Mantegna uses precise anatomical details and strong spatial definition, creating a scene that invites the viewer to reflect on suffering and redemption.

Lamentation over the Dead Christ, Niccolò dell’Arca – Church of Santa Maria della Vita, Bologna (ca. 1477, Renaissance)
It is a sculptural group with seven life-size figures in terracotta with traces of polychromy. The work represents the dramatic scene of the deposition of Christ, with an intense and emotional composition. The highly expressive figures show pain and suffering, while the body of Christ, with refined anatomical details, appears heavy and drooping. The sculptural group, with a strong verticality, creates a contrast between the sacred and the human, highlighting the tragedy of death. The use of color and light makes the scene even more engaging.

Dead Christ, Andrea Mantegna – Pinacoteca di Brera, Milan (c. 1480)
It is a masterpiece of Renaissance art. The painting depicts the body of Christ lying on a stone slab, with an expressive anatomical rendering and a strong sense of realism. The composition, characterized by an innovative angle, invites the viewer to contemplate the vulnerability and sacrifice of Christ. The work is very famous for the dizzying perspective view of the figure of the reclining Christ, which has the peculiarity of “following” the viewer who stares at his feet, flowing in front of the painting itself.
Dramatic elements, such as the pierced hands and feet, accentuate the pain, while the dark background highlights the central figure. Mantegna thus explores themes of death and redemption.

Pietà, Michelangelo – St. Peter’s Basilica in the Vatican (ca. 1499)
It is one of the most famous works of the Renaissance, a masterpiece of extraordinary emotional expression. The marble sculpture represents the Virgin Mary holding the body of the dead Jesus in her lap, expressing a deep sense of sadness and pity. Michelangelo sculpted the figure with extraordinary anatomical precision and harmony of proportions, creating an effect of serenity and beauty. The drama of the work is accentuated by the delicate details and the use of quartzite, which gives it a unique softness.

The Veiled Christ, Giuseppe San Martino – San Severo Chapel, Naples (1752)
This extraordinary work of art represents the body of Christ laid down, wrapped in a transparent marble veil, which seems to come to life. San Martino’s technical mastery is evident in the extraordinary rendering of details: the veil appears light and translucent, while the body of Christ expresses serenity in death. The work is a symbol of piety and faith, and its beauty and realism arouse deep emotions in those who observe it, making it a masterpiece of Neapolitan Baroque.

Resurrection, Piero della Francesca, Borgo San Sepolcro, Arezzo (c. 1465)
The work represents Christ who, risen from the dead, emerges in a powerful gesture of victory, surrounded by a delicate aura of light. The body of Christ is captured in a monumental naturalness, with a serene and regal expression. In the background, the landscape extends in a harmonious balance of colors, while the sleeping soldiers at his feet symbolize human indolence in the face of the divine. The rigorous composition and the innovative use of perspective highlight the artist’s mastery, merging spirituality and beauty.

The Triumph of the Name of Jesus, Giovanni Battista Gaulli (Il Baciccio) – Church of the Gesù, Rome (c. 1672)
A ceiling fresco that connects to the celebratory nature of Easter with a glorious celebration of the divinity of Jesus, through a dynamic and theatrical composition. The monogram of Jesus stands out in the center, surrounded by angels, saints and celestial figures hovering in the air, bathed in a divinely radiant light. The vibrant colors and sense of movement express the majesty and power of the name of Jesus, reflecting the Roman Baroque and spirituality of the era.

Some of these works of art are explained with insights into the artistic techniques in the following video: https://youtu.be/8cnr_VEjF84?si=dOz9Xb4ZqYyWPxQD

Introduction to the Samnites | I Sanniti – introduzione

Primo di una serie di articoli dedicati alla storia dei Sanniti. – First of a series of articles dedicated to the history of the Samnites.

(English follows)

I Sanniti: Introduzione

La storia dei Sanniti continua ad affascinare dopo più di duemila anni. I Sanniti erano un popolo italico e acerrimi nemici di Roma. Di questo popolo fiero e indomito restano scarne testimonianze e poche vestigia, nonostante per decenni avessero lasciato un’impronta della propria civiltà sulle terre che si estendono dal Gran Sasso fino ad arrivare alle aree della Magna Grecia. Questo territorio è nei giorni nostri denominato “il Sannio”. Sappiamo che i Sanniti hanno influenzato la crescita di gran parte delle popolazioni italiche.

Gli storici non sono sicuri delle origini dei Sanniti, ma pare che fossero cugini dei Romani. Infatti si ritiene che diramassero dai Sabini, uno dei primi ceppi etnici che si sono poi fusi con il ceppo che sarebbe diventato noto come il popolo romano. I Sanniti non hanno mai creato un’unica comunità politica come avevamo fatto i Romani, ma piuttosto delle tribù. Le principali erano i Carricini, i Caudini, i Frentani, gli Irpini e i Pentri che si sono uniti per fini bellici in una confederazione. “Samnium” e “Samnites” erano parole latine, e i Sanniti si riferivano a proprio paese come “Safinim” e a se stessi come “Safineis”.

I romani, nella loro spinta verso l’espansione regionale, non hanno avuto un compito facile conquistare la penisola italiana e l’isola di Sicilia. In effetti più di una volta nella loro storia antica, se le cose fossero andate in modo leggermente diverso, i romani si sarebbero trovati vinti invece che conquistatori.

Altri popoli hanno dato filo da torcere ai romani nella loro marcia verso la costruzione dell’impero tra cui gli Etruschi, i Greci e i Celti, ma i Sanniti erano i più caparbi e risoluti e consideravano sacra la libertà per cui hanno combattuto strenuamente.

Agli inizi del IV secolo a.C i Romani e i Sanniti si sono alleati e combattuti per avere l’egemonia sull’espansione naturale verso le fertili terre a sud del fiume Liri dal Volturno al Sarno. Il fattore che ha permesso all’uno di sovrastare all’altro non è facile da sapere. La storia che ci è stata tramandata si basa sul lavoro di storici asserviti al potere di Roma, tra cui Tito Livio. Si sa invece poco dei popoli soggiogati, delle loro vicende, idee politiche e religiose. Gli antichi testi parlano in modo superficiale, confuso e spesso non veritiero dei Sanniti. Infatti persino ricostruire l’assetto geografico del Sannio non è un compito semplice.

In seguito a nuovi scavi archeologici negli ultimi anni, il ritrovamento di reperti ha permesso di mettere un po’ di ordine nella storia e di dare una nuova interpretazione dell’antica società sannitica.

I Sanniti hanno vissuto in almeno quattro regioni: Abruzzo, Molise, Lazio e Campania. Ciascuna di queste regioni ha un museo dedicato ai Sanniti tra cui bisogna peregrinare non potendo per contrasti politici e geografici creare un unico museo dove conservare i reperti archeologici.

Per indicare quei territori che erano uniti per combattere l’egemonia di Roma, i Sanniti furono i primi ad utilizzare il nome “Italia”.

Antiche popolazioni dell’Italia centro-meridionale / fonte:sanniti.info

English version

The Samnites: Introduction

The history of the Samnites continues to fascinate after more than two thousand years. The Samnites were an Italian people and bitter enemies of Rome. Scarce evidence and few vestiges remain of this proud and indomitable people, despite the fact that for decades they had left the mark of their civilization on the lands that extend from the Gran Sasso up to the areas of Magna Graecia. This territory is nowadays called the Sannio. We know that the Samnites influenced the growth of most of the Italian populations.

Historians aren’t sure of the origins of the Samnites, but it appears that they were cousins of the Romans. Indeed it is believed that they branched off from the Sabines, an early ethnic lineage who later merged with the lineage that would come to be known as the Roman people. The Samnites never created a single polity as the Romans did, but rather tribes. The main ones were the Carricini, Caudini, Frentani, Irpini and Pentri who united for war purposes in a confederation. “Samnium” and “Samnites” were Latin words, and the Samnites referred to their country as “Safinim” and to themselves as “Safineis”.

The Romans, in their drive for regional expansion, had no easy task conquering the Italian peninsula and the island of Sicily. Indeed more than once in their early history, if things had gone slightly differently, the Romans would have found themselves vanquished rather than conquerors. Other peoples gave the Romans a hard time in their march towards empire building including the Etruscans, Greeks and Celts, but the Samnites were the most stubborn and resolute and held sacred the freedom they fought so hard for.

At the beginning of the 4th century BC the Romans and the Samnites allied and fought to have hegemony over the natural expansion towards the fertile lands south of the Liri river from the Volturno to the Sarno. The factor that allowed one to dominate the other is not easy to know. The story that has been handed down to us is based on the work of historians enslaved to the power of Rome, including Tito Livio. On the other hand, little is known about the subjugated peoples, their vicissitudes, political and religious ideas. The ancient texts speak in a superficial, confused and often untruthful way about the Samnites. In fact, even reconstructing the geographical structure of Sannio is not a simple task.

Following new archaeological excavations in recent years, the discovery of artifacts has allowed us to put some order in history and to give a new interpretation of the ancient Samnite society.

The Samnites lived in at least four regions: Abruzzo, Molise, Lazio and Campania. Each of these regions has a museum dedicated to the Samnites among which it is necessary to wander as it is not possible due to political and geographical contrasts to create a single museum in which to preserve the archaeological finds.

To indicate those territories that were united to fight the hegemony of Rome, the Samnites were the first to use the name “Italy”.

Rome and the other four capitals of Italy – Italian history

Roma e le altre quattro capitali d’Italia – Storia italiana

(English follows)

Sapevi che Roma è stata due volte capitale d’Italia? La cosa potrebbe non sorprendere poiché nel corso della storia italiana è stata al centro di molteplici vicende che hanno interessato la penisola italiana. Primo fra tutti l’Impero Romano quando la città era veramente l’ombelico del mondo. Successivamente all’interno della Città Stato, che per molti secoli ha posto Roma nel cuore della cristianità. Tuttavia, la città eterna è tra altre quattro città italiane a detenere il titolo di capitale d’Italia.

Torino (1861)
La città piemontese Torino fu la prima capitale d’Italia nel 1861 quando fu proclamata l’Unità d’Italia. All’epoca Roma non era nemmeno all’interno dei confini nazionali.
Durante la Seconda Guerra d’Indipendenza e la Spedizione dei Mille, guidata da Giuseppe Garibaldi, alcune zone della penisola furono consegnate al Regno di Sardegna governato da Vittorio Emanuele II: la Lombardia, una parte dell’Italia centrale, e tutto il Mezzogiorno, sottratto all’ex Regno delle Due Sicilie.
Nel frattempo lo Stato Pontificio era retto da Papa Pio IX che non era disposto a cedere Roma al nuovo Regno d’Italia.
Oltre i confini italiani c’era anche il Veneto, che era ancora una roccaforte degli austriaci.
Pertanto Torino, già capitale del Regno di Sardegna, fu eletta provvisoriamente come città amministrativa del nuovo Stato.

Firenze (1864)
Il Papa aveva un alleato molto potente, l’imperatore francese Napoleone III, nipote di Napoleone Bonaparte, che stipulò con gli italiani il 15 settembre 1864 un accordo, la Convenzione di Settembre per assicurare che il Regno d’Italia non prendesse Roma. Di conseguenza la capitale definitiva fu trasferita da Torino a Firenze.
Poiché la città, conosciuta come la culla dell’arte, doveva rimanere permanentemente la capitale del giovane Regno italiano, subì importanti opere pubbliche per svolgere il suo nuovo ruolo. Infatti gran parte delle antiche mura del XII secolo furono demolite per far posto a grandi strade e uffici amministrativi. Mentre i maestosi palazzi rinascimentali divennero le sedi dei Ministeri e degli uffici di Stato. Nonostante ciò, il capoluogo fiorentino ebbe vita breve.

Roma (1870)
Le promesse fatte a Napoleone III non furono mantenute, infatti l’Italia era desiderosa di impadronirsi di Roma e vi riuscì nel 1870, attraverso la celebre Breccia di Porta Pia.
La terza capitale d’Italia fu da qui in poi Roma, durante il periodo monarchico che terminò nel 1946 e dopo la proclamazione della Repubblica nello stesso anno.

Brindisi (settembre 1943 – febbraio 1944)
Tuttavia vi furono due brevi eccezioni, note anche come le due capitali della guerra, quando l’Italia fu divisa in due durante la seconda guerra mondiale dopo l’armistizio dell’8 settembre 1943. Il Centro-nord era ancora controllato dai nazifascisti, mentre il Sud era già stato liberato dalle forze alleate, che lottavano per avanzare verso nord. Il 10 settembre il re Vittorio Emanuele III e il governo fuggirono a Brindisi, in Puglia, per continuare a governare il paese facendo di Brindisi la quarta capitale d’Italia.

Salerno (febbraio – luglio 1944)
Questo fu il periodo più drammatico della guerra che causò grande devastazione in Italia, ma che portò le forze tedesche al ritiro a nord del fiume Volturno e alla resa di Napoli. Fu così che nel febbraio del 1944 Salerno divenne il centro principale del governo italiano liberato e dove la resistenza reale e il governo. rimasero per 5 mesi.

Roma (1944 -)
Infine quando le truppe americane entrarono a Roma tra il 4 e il 5 giugno 1944, la Città Eterna fu finalmente liberata e in grado di riconquistare il suo ruolo storico.

Roma, Piazza Venezia – **Monumento equestre a Vittorio Emanuele II**

Did you know that Rome has been the capital of Italy twice? This might not come as a surprise since it has been at the centre of multiple events throughout history that have concerned the Italian peninsula. First and foremost the Roman Empire, when the city was truly the belly of the world. And afterwards within the Church State (Città Stato), which for many centuries established Rome as the heart of Christianity. However, the Eternal city is among four other Italian cities to hold the title of capital of Italy.

Turin (1861)
The piemontese city Turin was the first capital of Italy in 1861, when the Unification of Italy (l’Unità d’Italia) was proclaimed. At the time, Rome was not even within the national borders.
During the Second War of Independence (Seconda Guerra dell’Indipendenza) and la Spedizione dei Mille, lead by Giuseppe Garibaldi, some areas of the peninsula were handed over to the Reign of Sardinia ruled by Vittorio Emanuele II: Lombardy, a part of central Italy, and all of southern Italy (il Mezzogiorno), which was removed from the former kingdom of the two Sicilies (l’ex Regno delle due Sicilie).
In the meantime the Papal State (lo Stato Pontificio) was ruled by Pope Pio IX who was not willing to give up Rome to the new Italian Reign. Beyond the Italian confines there was also Veneto, which was still a stronghold of the Austrians. Therefore Turin, already the capital of the Reign of Sardinia, was temporarily elected as the administrative city of the new State.

Florence (1864)
The Pope had a very powerful alley, the French emperor Napoleon III, nephew of Napoleon Bonaparte, who stipulated with the Italians on September 15, 1864 an agreement, the Convention of September (la Convenzione di Settembre), to ensure the Reign of Italy would not seize Rome. Consequently the definite capital was transferred from Turin to Florence.
Because the city, known as the cradle of art, was supposed to permanently remain the capital of the young Italian Reign, it underwent major public works to fulfill its new role. In fact most of the old 12^th century walls were demolished to make room for large roads and administrative offices. While the majestic Renaissance palaces became the seats of the Ministries and the State offices. Despite this, Florence capital lived a short life.

Rome (1870)
The promises made to Napoleon III were not kept, in fact Italy was eager to seize Rome and it managed to do so in 1870, through the renowned Breccia di Porta Pia.
The third capital of Italy was Rome from here on during the Monarchic period which ended in 1946 and after the proclamation of the Republic in the same year.

Brindisi (September 1943 – February 1944)
However there were two short exceptions, also known as the two capitals of the war, when Italy was split in half during WWII after the armistice on September 8, 1943. The Centre-north was still controlled by the Nazi-fascists, while the South had already been liberated by the Allied Forces, who were struggling to advance to the north. On September 10^th King Vittorio Emanuele III and the government escaped to Brindisi, in Puglia in order to continue to govern the country making Brindisi the fourth capital of Italy.

Salerno (February – July 1944)
This was the most dramatic period of the war that caused great devastation in Italy, which resulted in German forces withdrawing north of the Volturno river and surrendering Naples. So it was in February 1944 that Salerno became the main centre of the liberated Italian government and where the Royal resistance and government remained for 5 months.

Rome (1944 -)
Finally when the American troops entered Rome between June 4^th and 5^th 1944, the Eternal City was finally liberated and able to reconquer its historical role.

Category: rome

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